Что такое фреска

Что такое фреска

Фреска — (от итал . fresco — свежий), живопись по сырой штукатурке красками, разведенными на воде. Одна из техник стенных росписей. ( Большой энциклопедический словарь )

Фреска (от итал. fresco — свежий) — живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность а секко (росписи по сухому). При высыхании штукатурка образует пленку, делающую фреску долговечной . ( Википедия )

Самое полное определение дает Большая Советская Энциклопедия :

Фреска (от итал. fresco, буквально — свежий), техника живописи красками (на чистой или известковой воде) по свежей, сырой штукатурке, которая при высыхании образует тончайшую прозрачную плёнку кристаллического карбоната кальция, закрепляющую краски и делающую Фреска долговечной; Фреска называют также произведение, выполненное в этой технике. Фреска, позволяющая создавать монументальные композиции, органически связанные с архитектурой, является основной техникой стенных росписей. Штукатурка (грунт) составляется обычно из 1 части гашёной извести, 2 частей минеральных наполнителей (кварцевый песок, порошок известняка или дроблёный кирпич), иногда — с органическими добавками (солома, пенька, лён и т.д.), предохраняющих грунт от растрескивания. Для Фреска годны краски, которые не вступают в соединения с известью. Палитра Фреска довольно сдержанна; применяются главным образом земляные натуральные пигменты (охры, умбры), а также марсы, синий и зелёный кобальт и т.д., реже краски медного происхождения (голубец и др.), а также киноварь. Все синие и чёрные краски (реже — другие) наносятся на уже сухую штукатурку с помощью клея. Фреска позволяет пользоваться тонами во всю их силу, но при письме приходится учитывать, что краски, высыхая, сильно бледнеют. Важную роль во Фреска играют лессировки, однако при большом количестве красочных слоев цвет ослабевает и тускнеет. Кроме собственно Фреска, с глубокой древности известна роспись по сухой штукатурке (а секко). Фреска была распространена уже в Эгейском искусстве (2-е тыс. до н. э.); большого подъёма достигла она в античной художественной культуре, где использовались многослойные шлифованные грунты с добавлением мраморной пыли. С первых веков н. э. росписи, близкие по технике к Фреска, начали создаваться у народов Востока (в Индии, Средней Азии и др.). Античные мастера заканчивали Фреска по сухому с помощью темперы. Этот приём был характерен и для средневековой Фреска, получившей развитие в искусстве Византии, Древней Руси (10—12 вв. и 14—17 вв., когда работали Феофан Грек, Андрей Рублёв, Дионисий), Грузии, Сербии, Болгарии, Италии, Франции, Германии и др. стран. Большого подъёма искусство Фреска достигло в творчестве мастеров эпохи Возрождения в Италии (Джотто, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Рафаэль, Микеланджело и др. в 14—16 вв.). С 16 в. в Италии распространилась «чистая» Фреска (буон Фреска) без применения темперы. Для Фреска этого и последующего времени характерны 2-слойные грунты, верхний из которых наносился на тот участок, который живописец предполагал закончить за 1—2 дня. Традиции Фреска жили в декоративных росписях 17—18 вв. В 19 в. к Фреска обращались назарейцы в Германии, а также отдельные представители «модерна» (Фреска Ходлер в Швейцарии и др.). Многие прогрессивные мастера 20 в. работают в технике Фреска (А. Боргонцони в Италии, Д. Ривера в Мексике и др.). Палитра современных Фреска пополнена многими новыми, синтетическими красителями. ( Большая Советская Энциклопедия )

В СССР в популяризацию техники Фреска значительный вклад внесли В. А. Фаворский, Л. А. Бруни, Н. М. Чернышев и др. В настоящее время термином «фреска» могут называть любую стенную живопись, вне зависимости от её техники (а секко, темпера, живопись масляными, акриловыми красками и т. д.).Знаменитые ансамбли

Феска — головной убор в восточных государствах и странах, в северной Африке и других регионах.

Феска представляет собой шерстяной колпак красного цвета с голубой или чёрной, шелковой, серебром или золотом перевитой кисточкой. Имеет первоначально византийское происхождение. Название феска или фес происходит от города Феса или Феца в Марокко, где изготовлялись эти головные уборы. С 1826 года феска или фес введена вместо тюрбана как форменный головной убор для османских чиновников и солдат.

В Турции феска отменена при введении европейского костюма при Ататюрке в 1920-е годы (эта отмена получила название «шляпная революция» или «революция шляп», так как фески были заменены европейскими шляпами). В Италии мода на фески получила распространение после Крымской войны среди берсальеров, а под влиянием Итало-турецкой войны также и среди «чёрнорубашечников». В эпоху фашизма в 1920—1940-х годах фески чёрного цвета стали одним из символов этого движения. В Египте сохранилась до 1950-х годов. Также их носили и крымские татары в Крыму.

В сленговом обороте слово феска может использоваться как обозначение любого головного убора.

Бросание Ионы в море, фреска Альберта Пиктора конца 15 века в церкви Хяркеберга . Большинство церковных фресок в Швеции относятся к этому времени, а Альберт Пиктор — самый известный художник того времени.

Церковные фрески или церковные настенные росписи — это в основном средневековые картины, найденные в нескольких шведских церквях . Обычно они украшают своды или стены построек. На шведском языке их иногда называют kalkmålningar , что буквально означает «известковые рисунки», поскольку они часто были написаны с использованием извести в качестве связующего вещества для краски. Самые ранние церковные фрески в Швеции относятся к первым десятилетиям XII века и выполнены в романском стиле. Большинство из них находится в южной части Швеции, где они были заказаны членами королевской семьи и знати того времени. Все они имеют определенное иконографическое сходство и по большей части демонстрируют стилистические влияния современного искусства на территории современной Германии. Хотя предполагается, что художники, написавшие фрески, были хорошо образованы, и первые из них были иностранцами, об их личности практически ничего не известно. Примерно в 1250 году произошел стилистический сдвиг в сторону готики, который привел к более легким и воздушным композициям и росту популярности марианских и христианских мистических мотивов. Фрески ранней и высокой готики сохранились, особенно на острове Готланд , где в то время было построено много новых церквей, и в Скании , где многие старые церкви были оборудованы новыми сводами, которые затем были украшены. Самые ранние известные имена художников относятся к этому времени.

Большинство фресок датируются 15-м и началом 16-го веков, когда было построено или перестроено множество церквей, особенно в провинциях вокруг озера Меларен . Эти поздние готические фрески более разнообразны, чем более ранние готические рисунки, и украшения были более обильными. Они стремятся покрыть всю поверхность стены. Также наблюдается сдвиг в сторону более повествовательной живописи с более частым включением дидактических и нравоучительных предметов. Иконография в целом более фрагментирована, и картины часто завершаются гораздо менее всеобъемлющим принципом. Многие художники и мастерские позднего средневековья известны по именам, прежде всего Альберт Пиктор . Мастерские обычно состояли из трех человек, включая мастера; покрасочные работы выполнялись только в летние месяцы. В них использовались самые разные пигменты , а палитра художников расширялась по мере развития средневековья. После Реформации иногда все еще создавались новые церковные фрески, но в конце 17 века и, в частности, в 18 и начале 19 веков, большинство фресок были покрыты побелкой . Многие из них позже были обнаружены и отреставрированы, в частности, в 20 веке. Сегодня в Швеции большое количество церковных росписей по сравнению с другими европейскими странами. Музей истории Swedish описывает их как «уникальный клад».

История

Романские фрески

Романские фрески в церкви Бьяресьё , одной из старейших в Швеции (начало 13 века). Преувеличенное использование синего цвета относится к реставрации 1892 года, но в целом фрески все еще сохраняют большую часть своего первоначального вида.

Самые старые из существующих церковных росписей в Швеции относятся к первым десятилетиям XII века. Они выполнены в романском стиле, который был доминирующим до середины 13 века. Никаких наборов романских фресок в целости и сохранности не сохранилось; некоторые были изменены или восстановлены позднее, а некоторые значительно потускнели. Во многих случаях остаются только фрагменты. Наибольшее количество сохранившихся фресок в романском стиле находится в южных провинциях . Остатки сохранились примерно в 50 церквях в Скании , что делает ее основной провинцией для сохранившихся романских церковных фресок. Большинство других фресок разбросаны по остальной части Гёталанда . Единственные известные романские фрески к северу от озера Меларен находятся в церкви Ромфартуна в Вестманланде . Расходы, связанные с украшением церкви фресками, и преобладание портретов доноров во многих сохранившихся наборах картин привели к предположению, что самые ранние фрески были заказаны членами элиты. Картины в церкви Вя содержат портреты доноров, изображающие датского короля и королеву, вероятно, короля Нильса и королеву Маргарет Фредкулла , что указывает на то, что церковь была заказана королевской парой. Точно так же в церкви Стехаг есть донорский портрет короля Канута VI и архиепископа , а в церкви Гуалёва — донорские портреты рыцаря по имени Утикус и его жены Хиалмсвит. Романские фрески в шведских церквях были описаны как в целом высокого качества и сопоставимы с современными европейскими фресками.

Романские фрески в Швеции всегда строились одинаково. Апсиды церкви без исключения украшено изображением Христа в Majesty окружения мандорла . Существуют Хорошо сохранившиеся примеры в Хестведе Церкви , Lackalänga Церкви и Övraby Церкви . Христос окружен символами четырех евангелистов . Изображения Каина и Авеля иногда рисовали на арке апсиды, а иногда и на арке алтаря (обращенной к нефу ) или на нижней стороне арки алтаря. Арка алтаря также могла содержать изображения святых или портреты жертвователей, а иногда над аркой рисовали изображение Страстей . Южную стену нефа иногда украшали сценами из Ветхого Завета , а северную стену — сценами из Нового Завета .

Первые фрески были написаны иностранными художниками, но со временем их начали создавать и местные художники. Фрески в Вя, вероятно, являются самыми старыми ( ок. 1120–1130 гг.), А также одними из самых обширных и хорошо сохранившихся нетронутых наборов романских фресок в Швеции. Их стиль — итало-византийский, похожий на другие европейские фрески первой половины XII века, особенно в Сигвардскирхе недалеко от Ганновера на северо-западе Германии. По большей части, например, в хорошо сохранившихся фресках в церкви Бьяресьё , стилистические влияния пришли из Германии. В некоторых случаях они могут быть различимы из Франции ( Knislinge Церкви и HOOR церкви ), а также (возможно) Ломбардия ( Vinslöv церковь ). Несколько ранних фресок в церквях на Готланде выполнены в русско-византийском стиле; из них лучше всего сохранились росписи в церкви Гарде ( ок. 1200 г.).

Фрески ранней и высокой готики

Стилистическое изменение от того, что принято называть романским искусством к готическому, произошло c. 1250 г. в Швеции. Период между 1250 и 1300 годами иногда называют ранней готикой, а период с ок. С 1300 по 1380 год как высокая готика. В целом иконография фресок осталась схожей. Тем не менее, некоторые изменения произошли в выборе темы.

В XIII веке, когда почитание Марии усилилось, темы Марии стали более популярными. Например, участились коронации Богородицы . В течение 14-го века больший интерес к христианскому мистицизму можно также увидеть в выборе тематики (например, месса Святого Григория ), в сочетании со смещением акцента с изображения Христа как торжествующего на изображения его страданий во время Страстей. В этот период появляются и чисто декоративные картины.

Стилистически период ранней и высокой готики отмечает сдвиг в сторону более светлой цветовой гаммы. Картины больше не покрывают всю поверхность, как в период Романексу, а выделяются на белом фоне стен. Новые возможности для украшения открылись, когда деревянные потолки церквей и цилиндрические своды стали заменяться крестовыми сводами из кирпича или камня. Самые ранние из них чисто декоративные, без образных изображений. Стилистические влияния пришли, в основном, из Вестфалии и Саксонии , часто передаваемые через Любек . Большое количество церковных фресок как ранней, так и высокой готики можно найти в церквях на Готланде, которые пережили период экономического роста в c. 1250–1350 гг. И в Скании, где многие старые церкви были перестроены и оборудованы кирпичными сводами в 14 веке. На многих фресках на Готланде, например, в церкви Вамлингбо , было отмечено особенно сильное влияние вестфальского современного искусства, византийского стиля. Хотя фрески ранней и высокой готики в Скании оставались консервативными и стилистически близкими к романскому искусству, были представлены некоторые новые предметы, такие как Колесо фортуны . Люди изображены вытянутыми и раскачивающимися, с мягкими складками на их одежде, в отличие от более ранних, более иератических романских фигур. Стиль фресок высокой готики в целом похож на раннюю готику, но более грубый и тяжелый по исполнению, что подтверждается фресками в церкви Готем на Готланде.

Позднеготические фрески

Интерьер церкви Расбокиль . Как и во многих других церквях в районе озера Меларен, весь интерьер церкви был украшен фресками в период позднего средневековья; эти даты от c. 1520. После побелки они были обнаружены в ХХ веке.

Подавляющее большинство, возможно, около 75 процентов средневековых церковных фресок в Швеции датируются 15 и началом 16 веков. Некоторые из самых ранних примеров этого стиля поздней готики можно найти в главе дома из Вадстенского аббатства . Эти фрески, вероятно, были написаны в последние десятилетия XIV века и отображают стилистические и иконографические влияния северной Германии, особенно художника мастера Бертрама . Однако в основном это область вокруг озера Меларен, особенно Уппланд и Вестманланд, где наблюдается резкое увеличение производства церковных фресок между c. 1435 и 1500 гг. Экономическое развитие позволило построить новые церкви и отремонтировать старые; почти все церкви в этом районе были оборудованы кирпичными сводами, которые затем были украшены. Архиепископ Якоб Ульвссон (1430–1521 гг.) Также поощрял развитие, и его герб нарисован в нескольких церквях. Скорость, с которой церкви в окрестностях Стокгольма в 15 веке украшались картинами, была описана как «эпидемия». Значительное количество фресок , начиная с этого времени также можно найти в Väster- и Östergötland , а также в Scania. Позднеготические фрески, похожие на фрески из региона Меларен, также можно найти в Даларне , Норрланде , а также в Финляндии. Самая северная церковь с фресками в стиле поздней готики — это церковь Недерлулео в Норрботтене .

В этот период темы Мариан стали более популярными, чем когда-либо, а также более разнообразными (в том числе изображения Женщины Апокалипсиса и Охоты на Единорога ). Увеличилось количество картин святых и легенд о них . Изобразительная программа церкви стала более фрагментарной, а сюжеты и мотивы чаще смешивались без четкого всеобъемлющего принципа. Тем не менее, некоторые общие тенденции можно наблюдать, по крайней мере, в церквях Уппланда. Хор часто содержат сцены из жизни Христа, или Богородичных предметов. Неф часто украшен иллюстрациями из Ветхого Завета , и часто просторная церковь Поршеса обычно содержала более мирские предметы. Дидактическое искусство стало более распространенным, а также нравоучительные предметы, в том числе многие изображения дьяволов в настенном искусстве.

В целом позднеготические росписи более повествовательны и менее декоративны, чем более ранние готические фрески. Люди изображены более линейно, с более четкими контурами и более плотными объемами, а орнамент более разнообразен, детализирован и богаче. Вся церковь, включая стены и своды, была типично украшена. Палитра цветов расширена, есть тенденция к пышности или яркости. Художники использовали в качестве примеров ксилографии и Библии для бедняков (хотя чистые копии были редкостью). В это время влияние ранней нидерландской живописи , включая попытки реализма и перспективы , можно увидеть в некоторых фресках; опять же, вероятно, через немецкую транспозицию (некоторые из художников, таких как Альбертус Пиктор и Йоханнес Розенрод , сами были немцами). В целом, однако, церковные фрески продолжали придерживаться народного декоративного стиля с несколькими элементами, появившимися из зарождающегося Возрождения в остальной Европе.

Поздние украшения, жестокое обращение и реставрация

В отличие от некоторых других стран, Реформация в Швеции в XVI веке не сопровождалась широко распространенным иконоборчеством . Большинство церковных фресок остались нетронутыми и иногда даже восстанавливались после Реформации. Отсутствие каких-либо крупных войн на шведской земле со времен средневековья еще больше способствовало сохранению многих фресок. Некоторые совершенно новые церковные фрески также были созданы в течение 17-18 веков, часто консервативного, почти средневекового стиля. Однако к концу 17 века в некоторых церквях церковные фрески начали покрывать побелкой . Было высказано предположение, что растущее внимание к протестантскому православию в церкви Швеции привело к менее терпимому отношению к фрескам. В конце 18 — начале 19 веков настенные росписи стали более систематизированными по стилистическим, а не теологическим причинам: неоклассические идеалы того времени ценили неукрашенные белые церковные интерьеры более высоко, чем исторические фрески. Только фрагментарное количество церковных росписей в Швеции сохранилось нетронутым до наших дней; большинство из них в какой-то момент были покрыты побелкой. С конца 19 века, и особенно в течение 20 века, фрески были обнаружены и отреставрированы. Иногда эти «реставрации» в свою очередь приводили к дальнейшему ухудшению или даже разрушению. Однако в целом в Швеции все еще необычно большое количество фресок по сравнению с другими в Европе. Музей истории Swedish описывает их как «уникальный клад».

Техника

В средние века картины делались как на дереве, так и на камне, но большинство из них находится в каменных церквях. Самые старые церковные фрески романского периода были написаны с использованием сочетания техник афреско и секко . Голую стену сначала покрыли толстым слоем грубой штукатурки, затем покрыли побелкой и проткнули, как основу для тонкого слоя гладкой штукатурки. На этом слое красной охрой были нарисованы контуры, пока он был еще влажным . Краски на основе земляных пигментов , сажи и свинца также были нанесены affresco . Однако некоторые цвета были основаны на пигментах, которые испортились при нанесении на влажную поверхность. Поэтому они были нанесены на втором этапе на сухую стену или secco . Они включали оттенки зеленого (пигменты на основе меди или малахита ), ультрамарина (пигменты из лазурита , редко используемые в шведских церковных росписях) и красного (пигменты на основе киновари ). Другие пигменты нашли в церковных фресках от 12 — го и 13 — го веков зеленая земли , атакамит , сурик , массикот и азурит , хотя общие и простые пигменты властвуй. Тем не менее, украшение романской церкви фресками было дорогостоящим мероприятием из-за дорогих материалов, используемых в качестве пигментов. Кроме того, романские фрески иногда дополнялись элементами легкой скульптуры: ореолы святых могли быть лепными и позолоченными или украшены небольшими шарами белой краски, имитирующими жемчуг . Иногда для выделения определенных элементов прикреплялись медные позолоченные пластины. В некоторых случаях фрески украшали горным хрусталем . В средние века известь использовалась в качестве связующей среды для краски, но иногда использовались казеин , эруковая кислота и олифы .

Из c. 1200 г. произошли изменения в технике. Вместо того, чтобы работать над гладким слоем штукатурки, художники теперь рисовали прямо на более грубом, более неровном слое штукатурки. Некоторые элементы все еще были расписаны аффреско, но преобладала секко . Контуры были вырезаны на мокрой поверхности, а не нарисованы, как раньше. К концу средневековья техника снова изменилась: теперь контуры обычно рисовались углем, а иногда и пигментом на основе оксида железа . После того, как были сделаны контуры, были нанесены краски и, наконец, добавлен текст (в виде речевых свитков ), а также детали и узоры по трафарету . Палитра пигментов расширялась и менялась по мере развития средневековья. Например, Альберт Пиктор , работавший в конце 15-го и начале 16-го века, использовал свинцово-оловянно-желтый , орпимент и неаполитанский желтый в дополнение к уже упомянутым пигментам. Кроме того, его мастерская импортировала несколько пигментов, вероятно, из Германии. Альберт Пиктор также использовал глазурь на некоторых деталях.

Многие из этих цветов со временем потускнели или изменились. Некоторые светлые пигменты на основе свинца имеют тенденцию окисляться в более темный платтнерит при окрашивании, как правило, на известковом фоне (но не при нанесении на дерево). Точно так же красная киноварь иногда превращалась в метациннабар . Кроме того, органические пигменты, такие как бразилин , потускнели из-за воздействия солнечного света. В романских фресках пигменты, используемые при рисовании секко — обычно детали, такие как глаза, и наиболее яркие цвета — не так хорошо впитываются основным материалом, и поэтому имеют тенденцию легче отрываться, оставляя только фреска слой фрески видимого. Это особенно верно в тех случаях, когда картины были позже покрыты побелкой. При удалении побелки слой a secco также часто отваливается.

Художники

Автопортрет Альберта Пиктора в церкви Лид

Техническое исполнение, а также иконография указывают на то, что художники, создававшие романские фрески, были хорошо образованы. В целом, однако, очень мало известно о художниках и мастерских, создававших самые ранние фрески в шведских церквях. Несколько фресок XIII века подписаны: две рунами ( Старая церковь Дадешо Зигмунда и церковь Анги Халварда ) и одна маюсклами ( Церковь Вета Магнуса). Более подробные записи о художниках и мастерских существуют в некоторых случаях с середины 15 века. Имена некоторых из этих художников были сохранены либо в подписях и надписях в церквях, либо в городских архивах, таких как Стокгольм и Арбога . Альберт Пиктор — самый известный из этих художников поздней готики, уже получивший признание и последователей при его жизни. Его подпись известна по шести церквям, а в Лидской церкви также есть его автопортрет. Его имя также упоминается в городских архивах Стокгольма. В других случаях, когда не существует письменных источников, историки искусства не присваивают названия группам работ, которые предположительно были созданы одной мастерской, или, в более широком смысле, произведениям, показывающим определенное стилистическое сходство друг с другом.

Художники, которые были активны в период позднего средневековья, обычно принадлежали к мастерским, состоящим из мастера и одного или двух подмастерьев и / или учеников . Они часто действовали из города и украшали церкви в окрестностях. Помимо фресок, их работа, вероятно, также включала роспись алтарей , текстиля и других религиозных предметов. Многие художники, кажется, выполняли другие виды художественной работы; некоторые из них отмечены в архивах как стекольщики и плотники, помимо художников.

Фрески были написаны в теплые месяцы года, обычно с начала апреля до середины августа. Если работа не могла быть завершена в летние месяцы, ее возобновляли следующей весной.

Процитированные работы

дальнейшее чтение

  • Баннинг, Кнут; Брандт, Метте; Касперсен, Сорен (1976). Каталог настенных росписей церквей средневековой Дании 1100-1600: Скания, Халланд, Блекинге . Копенгаген: Академиск Форлаг. ISBN 9788750017462.
  • Нисбет, Оке (1986). Bildernas predikan: medeltida kalkmålningar i Sverige (на шведском языке). Стокгольм: Гидлунд. ISBN 9178440645.
  • Сильван, Отто (1899). «Kyrkomålningar i Uppland from medeltidens slut» . Antiqvarisk Tidskrift for Sverige / Utgifven av Kongl. Vitterhets Historie och Antiquitets Akademien (на шведском языке). XIV (1899): 1 –203.

внешние ссылки

  • СМИ, связанные с церковными фресками в Швеции, на Викискладе?

Музыка

6 класс

Урок № 6

Сюжеты и образы фресок. «Перезвоны» В. А. Гаврилина.

Молитва как музыкальный жанр

Перечень вопросов, рассматриваемых по теме:

— влияние на творчество современных композиторов произведений других видов искусства (литературы и живописи);

— тема молитвы в русской музыке;

— музыкальная имитация;

— музыка современных композиторов: Кикты, Окуджавы, Гаврилина.

Тезаурус

Фреска – это роспись водяными красками, наносимая на сырую штукатурку.

Соло – это произведение или партия, предназначенная для исполнения одним инструментом или певцом.

Орнамент – узор в виде ритмического чередования геометрических или изобразительных элементов, использующих растительные и животные мотивы.

Солист – это певец, музыкант, исполняющий сольную партию, выступающий соло.

Молитва – это слова, произносимые верующими при обращении к Богу, к святым, а также при совершении религиозных обрядов.

Обязательная литература

Дополнительная литература

2. Большая советская энциклопедия: / гл. ред. А. М. Прохоров – 3-е изд. – М.: Советская энциклопедия, 1969–1978.

Теоретический материал для самостоятельного изучения

Значительное влияние на композиторов оказывает среда, в которой они родились и выросли, а также впечатления, полученные от других видов искусства: литературы, живописи архитектуры.

На современного композитора Валерия Григорьевича Кикту сильное впечатление произвели фрески Софийского собора в Киеве.

Собор был построен Ярославом Мудрым в XI веке. Уникальность собора заключается в том, что внутри сохранилось большое количество подлинных мозаик и фресок, росписи водяными красками по сырой штукатурке. Цветовая палитра фресок в соборе насчитывает 177 оттенков.

Находясь под впечатлением от внутреннего убранства и величия собора, от причастности к древности, Валерий Григорьевич написал концертную симфонию для арфы с оркестром «Фрески Софии Киевской».

О сюжетах фресок можно судить по названиям номеров: «Групповой портрет дочерей Ярослава Мудрого», «Борьба ряженых», «Скоромохи», «Музыкант», «Зверь нападает на всадника».

Не случайно композитор выбирает в качестве солирующего инструмента арфу, имитируя тем самым старинный музыкальный инструмент – гусли.

Музыкальная тема «Орнамент» звучит в симфонии несколько раз и скрепляет музыкальные сюжетные зарисовки.

Слово «орнамент» означает узор в виде ритмического чередования геометрических или изобразительных элементов, использующих растительные и животные мотивы. Термин актуален и для музыки. Поскольку ритм является одним из средств выразительности этого вида искусства.

Былинное сказание предстаёт перед нашими глазами, герои древней старины оживают, бьют копытами кони на площади, звонят колокола Киевской Софии.

На другого современного композитора, Валерия Александровича Гаврилина, оказали влияние произведения русского писателя Василия Макаровича Шукшина.

Симфония-действо для солистов, хора и ударных «Перезвоны» Гаврилина даже имеет подзаголовок: «По прочтении Шукшина».

Бесконечной любовью к Родине, русскому человеку, проникнуты произведения этих двух творцов: Шукшина и Гаврилина.

Само название «перезвоны» говорит нам о том, что композитор обратился к древнерусской традиции звонить в колокола.

«Перезвоны» отражают различные сферы жизни народа: будни и праздники, трагические и комические события. Затрагивают общечеловеческие вопросы: жизни и смерти, любви и разлуки, человека и природы, семейных ценностей и религии.

Молитва – это слова, произносимые верующими при обращении к Богу, к святым, а также при совершении религиозных обрядов. Молитва – очень личное обращение к Богу с благодарностью, просьбой о помощи, покаянием.

Гаврилин включил в «Перезвоны» молитву, когда умирающий разбойник обращается к Богу с раскаянием и благодарностью.

К молитве, как к музыкальному жанру, обращались многие композиторы.

Петр Ильич Чайковский включил пьесу «Утренняя молитва» в сборник «Детский альбом».

Поскольку, молитва – это личное обращение, она может быть любой: произнесённая вслух или про себя. Наш современник, поэт и композитор Булат Шалвович Окуджава, написал песню «Молитва». Она исполняется под гитарное сопровождение.

Церковная музыка оказала большое влияние на композиторов всех эпох. Отечественные и зарубежные авторы обращались к религиозным текстам и жанрам, использовали интонации церковной музыки в светских сочинениях. К самой известной молитве «Аве Мария» обращались в своем творчестве Ф. Шуберт, Ш. Гуно и многие другие.

Композиторы часто пользовались приёмами стилизации и цитирования, имитировали звучание народных инструментов.

В. Кикта с этой целью использовал многоликость тембров симфонического оркестра. В. Гаврилин – богатство хоровых тембров смешанного хора и изобразительные возможности ударных инструментов.

На уроке мы узнали, как звучание древних музыкальных инструментов, народные и церковные традиции композиторы использовали в своих произведениях. Музыка Чайковского, Гаврилина, Кикты, Окуджавы подчёркивает, благодаря этому, самобытность культуры нашей страны.

Примеры заданий из Тренировочного модуля

№1. Что вдохновило композитора написать симфонию для арфы с оркестром «Фрески Софии Киевской»?

Варианты ответа: внутреннее убранство собора; город Киев; церковная литература.

Достаточно вспомнить, что фреска – это роспись водяными красками, наносимая на сырую штукатурку. Из определения следует, что росписи внутри собора впечатлили композитора на создание произведения с аналогичным названием.

№2. Какой инструмент использовал Валерий Кикта для имитации звучания гуслей?

Варианты ответа: арфу; гитару; скрипку; рояль.

Чтобы ответить на этот вопрос нужно вспомнить, что Кикта написал концертную симфонию для арфы с оркестром «Фрески Софии Киевской». А также обратить внимание на строение инструментов. Гусли и арфа – щипковые инструменты. На скрипке тоже можно играть щипковым способом, однако, более распространено исполнение смычком. Фортепиано хоть тоже струнный инструмент, но имитировать на нём аутентичную игру на гуслях непросто.

Учебник для 6 класса

История Средних веков

От Древнего Рима Византия унаследовала сложную и трудоёмкую технику мозаики. Мозаика складывалась из многих тысяч мелких разноцветных кубиков смальты. Позже наряду с мозаиками использовались фрески — живопись по сырой штукатурке красками, разведёнными на воде.

В храмах помещались также иконы — изображения Бога, Богоматери, библейских сцен и святых, выполненные на гладких деревянных досках. Со временем некоторые иконы стали устанавливать на алтарную преграду, отделявшую алтарь от остального пространства храма. Позже из этого обычая появился характерный для русских церквей иконостас.

Расцвет византийской иконописи относится к XII— XIV векам. Икона Владимирской Богоматери, один из знаменитейших шедевров той эпохи, тогда же была привезена из Византии на Русь. А позже, в XIV веке, на Руси творил величайший греческий художник Феофан Грек, принадлежавший уже не только византийскому, но и древнерусскому искусству.

Богоматерь Владимирская — шедевр византийской иконописи XII в.

Византийская культура оказала огромное влияние на всю средневековую Европу и многие страны Азии. Византийские мастера работали в разных странах, у них учились местные архитекторы и художники. Особенно велико было значение Византии для развития культуры славянских стран, Армении и Грузии.

Византийский историк VI века Прокопии Кесарийский о храме Святой Софии

    Несказанной красотой славится он. Блеском своих украшений прославлен он и гармонией своих размеров. Нет в нем ничего излишнего, но нет и ничего не хватающего, так как он весь во всех своих частях, в надлежащей мере являясь более пышным, чем обычно, и более гармоничным, чем можно ожидать от такой громады, наполнен светом и лучами солнца. Можно было бы сказать, что место это не извне освещается солнцем, но что блеск рождается в нём самом: такое количество света распространяется в этом храме. Огромный сферический купол, покоящийся на этом круглом здании, делает его исключительно прекрасным. И кажется, что купол не опирается на твёрдые основы… но золотым полушарием, спущенным с неба, прикрывает это место… И всякий раз, как кто-нибудь входит в этот храм, чтобы молиться, он сразу понимает, что не человеческим могуществом или искусством, но Божьим соизволением завершено такое дело; его разум, устремляясь к Богу, витает в небесах.

  • Чем храм Святой Софии восхищал современников? Какие черты византийского искусства упомянуты в данном описании?

  1. Почему в Византии наука была более развита, чем в Западной Европе?
  2. Перечислите основные части византийского храма. Каково было их назначение?
  3. Почему для Юстиниана было так важно строительство храма Святой Софии?
  4. Докажите, что христианский храм являл собой образ мира.
  5. Какие виды искусства использовались для украшения храма?
  6. Какое влияние оказало византийское искусство на искусство других стран? Вспомните из курса мировой художественной культуры и назовите древнерусские храмы, построенные по византийскому образцу.
  7. Подумайте, о чём могут рассказать дошедшие до наших дней памятники византийской архитектуры, а также иконы, фрески, мозаики.
  8. Рассмотрите на фотографиях византийские храмы. Найдите и назовите основные части храма. Можно ли по этим изображениям выделить основные этапы в развитии византийской архитектуры?
  9. По ресурсам Интернета найдите изображения византийской мозаики, фресок и икон. Дайте свои пояснения.

[ad01]

Рубрики: Разное

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *